Samuel GELAS

Je m’appelle Samuel GELAS,

je suis artiste visuel Guadeloupéen vivant et travaillant entre la Guadeloupe et Paris.

Né en 1986 à Pointe-à-Pitre en Guadeloupe, j’ai grandi dans une famille modeste jusqu’à l’âge de 19 ans, dans un contexte et un environnement précaire en art visuel. Passionné de dessin dès mon plus jeune âge j’ai toujours voulu me professionnaliser dans le domaine des arts plastiques. Après l’obtention de mon Bac en 2004, j’ai donc décidé de me former. J’ai été admis au concours d’entrée à l’Ecole Nationale Supérieure d’Art de Paris-Cergy en 2007.  J’ai obtenu mon diplôme (DNAP) en 2010. J’ai été contraint d’interrompre mon cursus cette année-là pour des raisons économiques. Cela m’a été très bénéfique car j’ai été directement confronté au terrain du monde de l’art. J’ai donc participé à de nombreuses expositions collectives et personnelles en Guadeloupe, Martinique, Paris, Miami et New-York. Pratiquant mon art à temps plein, j’ai effectué deux Résidences de création à la Cité Internationale des Arts de Paris en 2015 et 2019.

Durant mes études artistiques à l’école Nationale Supérieure des arts de Cergy (2007-2010), j’ai entrepris la démarche de peindre sur toile libre à la pierre noire, mon outil de prédilection et l’acrylique, des scènes du quotidien parisien dont j’étais témoin. Ce travail a débuté par des représentations de marginaux puis a évolué par des scènes plus ouvertes dans le métro et comportant une dimension sociale avec des aspects dramatiques (violence, agression, racket, émeute…). Dès le début, mes interrogations se portaient sur les questions liées aux conditions et à la nature humaine dans des contextes géographique, économique, sociaux et historique.

A mon retour en Guadeloupe en 2012, après six ans de vie à Paris, je fus frappé par la condition économique et sociale de la population Guadeloupéenne et plus particulièrement d’une partie de la jeunesse en déshérence ayant  souvent recours à des actes de violences comme moyen d’expression.

Alors que le contexte économique et social de l’archipel était déjà compliqué, la Guadeloupe traverse en 2009 une crise économique sans précédent. Une grève de quarante-quatre jours initiée par un groupe de syndicalistes et indépendantistes, le LKP (Solidarité contre la profitassions) afin de lutter contre la vie chère ainsi que d’autres anomalies sur le plan socio-économique.

Ce mouvement changea la face de la Guadeloupe. Il y a eu durant les années qui suivirent une montée du chômage entre autres et une grande violence essentiellement parmi les jeunes issus des milieux défavorisés (rue, ghetto…).

Je me suis intéressé à l’univers de ces jeunes ainsi que d’éléments de la culture Guadeloupéenne entre autres, afin d’entreprendre un travail neuf à caractère sociocritique  rendant compte du quotidien de la Guadeloupe.

J’ai donc entrepris une démarche picturale à la fois ludique, poétique et critique du monde dans lequel je regarde et analyse les phénomènes médiatiques et sociétaux de la vie quotidienne. Certaines de mes peintures questionnent la nature humaine à travers ses diverses formes d’animosité, d’animalité mais également d’inhumanité dans un corpus travaillant avec force la question des violences urbaines, sociales et culturelles.

Dans mon travail les figures animales sont des métaphores qui donnent du sens à mon propos. Je les utilise souvent au service d’une narration de faits réels, d’actualité et historique. Je m’inspire des créatures anthropomorphes des fables et des comptes créoles, des figures hybrides des mythologies et du cinéma Hollywoodien. Mais également des termes et expressions courantes, notamment de certains artistes chanteurs, gangs et jeunes « du ghetto » autour du monde animal.

Repéré par la commissaire d’exposition Régine CUZIN qui avait découvert mon travail à la 56ème édition du Salon de Montrouge en 2011, elle m’a donnée l’opportunité de faire ma première résidence d’un an et demi à la Cité Internationale des Art de Paris (2015 – 2016). Au cours de cette résidence, j’ai entrepris un nouveau projet intitulé Négricide.

J’ai donc créé une nouvelle série de peintures à la pierre noire et l’acrylique  inspirée du néologisme inventé par le critique d’art guadeloupéen Jocelyn VALTON: «Négricide», dans un texte publié en 2015. Associant « nègre » et « homicide », ce terme désigne « l’ensemble des meurtres de masse, ou au caractère moins étendu, perpétrés sur une grande échelle de temps, allant du XVème au XIXème siècle, contre les Africains réduits en esclavage par des trafiquants pour les colons européens (Portugais, Anglais, Français, Hollandais), dans le contexte raciste de la traite négrière transatlantique ».

J’ai décidé de proposer une série de peintures introspectives et engagées qui questionnent mes origines et celles des afro-descendants caribéens, sur fond ocre rouge rehaussé de noir, symboles de la peau noire et du sang. L’esclavage y est évoqué dans son extrême violence, renforcée par le truchement de la représentation animale. L’idée que la traite négrière ait sa propre appellation, Négricide, m’a inspiré une série de peintures qui traduisent le caractère inhumain de la traite négrière via des métaphores faisant référence au monde animal et aux objets. Je représente les divers châtiments que pouvait subir quotidiennement les esclaves : traversée de l’Atlantique entassés dans les cales des navires, lynchages, pendaisons, crémations en masse, viols routiniers, pieds et mains coupés, ou encore finir dévoré par des chiens, le tout détaillé et légiféré dans le Code Noir, sont quelques exemples du caractère génocidaire de la traite négrière évoqués dans ma série Négricide. J’ai présenté ce travail à l’occasion de mon premier solo show à la Galerie LJ à Paris en mai 2016.

Mes réflexions sur la condition de mes ancêtres noirs qui étaient esclaves et considérés comme des objets et des bêtes et mes « frères » des ghettos qui sont confrontés à d’autres problématiques plus modernes, m’ont permis de constater des déplacements qui ont été fort inspirants d’un point de vue plastique. En effet, mes ancêtres se sont battus pour leur humanité. Or, aujourd’hui, ayant le statut d’êtres humains, certains groupes d’individus s’identifient à des animaux (Hyène, Dog, etc…) ou reprennent des attributs de ces animaux tels que des aboiements (animalité). En se réapproprient la notion du « Zoo », expression parfois utilisée pour désigner la cité ou les ghettos, ces groupes valorisent et subliment, paradoxalement, l’idée de zoo humain et de l’homme-animal…

Durant quatre ans, de 2014 à 2018, J’ai utilisé des figures hybrides sur des troncs humains afin de questionner l’être humain dans sa nature animale et bestiale. Cela m’a permis d’aborder mes sujets avec pertinence et originalité. Ce travail est arrivé à son terme avec l’œuvre Portrait de classe qui récapitule tout mon bestiaire utilisé depuis le début de ce projet. A travers cette peinture, je raconte  la société à travers les diverses figures hybrides qui témoignent des caractères et des personnalités de chacun. On peut avoir une idée des centres d’intérêts de chacun en fonction de leurs postures mais aussi des attributs et accessoires qu’ils arborent. C’est une façon originale pour moi de parler dans un sens plus large des rapports humains : dominant, dominé ; prédateur, proie etc…

Cette œuvre marque la transition avec mon nouveau projet en lien avec l’univers de l’enfance.

Toujours dans la démarche d’observer la société et le monde en perpétuel mutation. J’ai choisi cette fois-ci de le faire à travers le regard et les comportements des enfants, tant dans l’amusement, l’espièglerie, l’innocence, l’inconscience, l’amour mais aussi la méchanceté et le vice. Cela permettra également à tout un chacun de se plonger dans ses souvenirs d’enfance.